Entrevista al pintor español de arte contemporáneo David López
El pasado viernes 15 de julio, en el Palacio de la Música de
Valencia, se clausuraba una exposición que ha estado varios meses
abierta al público, del pintor español David López.
Una obra de esta exposiciónintegrará la muestra de arte contemporáneo
Arte+Fe, que se inaugurará el próximo 10 de agosto dentro de los actos previstos para la JMJ Madrid 2011 (ver
www.zenit.org/article-40041?l=spanish). Después de ello, la muestra irá al
National Museum of Catholic Art de Washington (EE.UU.)
Precisamente, la clausura de la exposición en Valencia se llevó a
cabo mediante una especie de “Atrio de los Gentiles” del arte, en el que
participaron un músico y una poetisa. López cree que es necesario que
el cristianismo sea capaz de dialogar con el arte actual.
David López (Valencia, 1972) ha expuesto hasta ahora en Valencia,
Madrid, París y Nueva York, en exposiciones tanto individuales como
colectivas. Es asesor cultural del Instituto Cervantes de París. Es
también uno de los colaboradores del pintor e iniciador del Camino
Neocatecumenal, Kiko Argüello, en la realización de pinturas murales de
iconos.
Su obra no es – ni pretende ser – arte sacro. No obstante, quiere ser
una reflexión sobre la posibilidad de dialogar con la fe, como él mismo
explica en esta entrevista concedida a ZENIT.
- ¿Es posible que el arte contemporáneo entre en diálogo con el pensamiento cristiano? ¿Cómo puede hacerlo?
David López: No sólo es posible, sino que es necesario. La filosofía y
la antropología que la acompaña se traducen en cultura. Nietzsche tiene
una consecuencia cultural, que es el arte de Duchamp. Cuando Nietzsche
moría, estaba naciendo Duchamp como artista: Nietzsche dijo “Dios no
existe”, y treinta años después, su “hijo” cultural diría: “la belleza
no existe”.
Cito a Duchamp porque es el padre de todo el arte contemporáneo. No
existe la belleza porque no existe Dios. Él hace un acto irónico, que es
coger un urinario y ponerlo como obra suya en una sala de exposiciones.
Lo llaman irónico... para mí es incluso un acto violento. Cuando
desaparece Dios desaparece la fe, desaparece el sentido del
sufrimiento... Duchamp vivió entre dos guerras mundiales, en un periodo
de escepticismo. Si no existe Dios, ¿cómo podemos hablar de algo tan
absurdo como la belleza? Desde entonces, el arte toma este camino.
De hecho, hoy hablar de la belleza es algo que no tiene mucho
sentido. Pero es una cuestión que yo quiero volver a proponer como
valor. Se han escrito cientos de cosas sobre la belleza, de hecho mi
intención no es proponer algo nuevo, sino actualizar algo que siempre ha
estado, porque ya no está.
Como cristiano, en mi obra esta siempre esto, porque lo que uno vive
es lo que refleja, haga un pájaro o haga un limón. En este sentido, mi
reciente exposición de Valencia iba un poco más allá, pues cogí un
motivo antropológicamente cristiano, para hablar de la existencia de
Dios, de la existencia de la belleza, de la existencia del sentido.
La gente se acerca a un paisaje, contempla un paisaje, y le gusta,
siente un placer estético, un placer que está ligado al amor. Y ya está,
no tiene porqué profundizar más. En lo que conforma esa experiencia
estética, hay una matemática, pero el espectador no necesita entenderla.
Uno no necesita entender científicamente una naranja para disfrutar de
ella, aunque haya una explicación científica: la combinación de azúcares
con aminoácidos etc.
Cuando hay algo bello, hay una matemática, una relación entre
materiales, texturas, etc. y eso conforma la belleza. La mayor parte de
las personas la disfruta, pero los artistas son capaces de acercarse
intuitivamente a la relación que hay detrás de esa belleza: las materias
se dan valor mutuamente porque están en relación.
Los artistas lo traducimos en obras, materiales, texturas, colores...
por ejemplo, una curva necesita una recta, una mancha necesita una
línea, un color plano necesita un color deshecho... estas son las
herramientas con las que se recrea la belleza, sea en pintura como en
música, donde el sonido necesita del silencio.
Esto forma parte de la experiencia existencial del hombre, y tiene
que ver con la bendición: quien nunca haya experimentado el frío, no
sabe lo que es el calor. Si nunca hubiéramos pasado frío, nunca
podríamos bendecir por tener una chimenea, si nunca hemos pasado hambre,
no podríamos bendecir por comer un buen cordero de Segovia... Todo está
en relación, y contribuye a darse valor mutuamente.
Los artistas traducimos esta relación que hay en la materia en formas
y colores; eso es un cuadro. Y ese cuadro tiene que ser bello en su
relación de materias, sea una Virgen, un burro, o no sea nada. Este es
el primer nivel del arte.
En mi caso, además, me interesa darle un contenido, y este sería un
segundo nivel. Esas formas que tienen que “funcionar” entre sí y ser
bellas, además tienen que tener un contenido. Porque el arte no es sólo
relación entre materias, sino que es relación entre personas, es
comunicación.
Este es otro aspecto que la postmodernidad ha quebrantado, al exaltar
el individualismo. Muchos artistas, si les preguntas el significado de
su obra, niegan que lo tenga, sino que pintan para sí mismos, se cierran
al diálogo, “no quieren decir nada”.
Hay un tercer nivel del arte, y es el de relación espiritual. El arte
siempre ha sido espiritual, ha expresado relación con lo divino, lo que
no hay que confundir con el arte propiamente sacro. Desde Altamira
hasta el siglo XX, el arte siempre ha expresado lo espiritual; es
precisamente en el siglo XX cuando aparece, por primera vez en la
historia, la sociedad “atea”.
Siempre ha habido personas no creyentes, pero éste nunca había sido
un planteamiento de la propia sociedad. El arte, como dijo Juan Pablo II
a los artistas, es “nostalgia de Dios”.
Por eso, para un humanista ateo de hoy, el concepto “belleza” no
tiene sentido... y tienen razón, porque en este siglo, la belleza se ha
banalizado, se ha convertido en un artículo económico. La belleza se ha
utilizado para sublimar la realidad, pero no para trascenderla. Sublimar
supone cambiar la realidad, “hacer Photoshop”; trascender la realidad
es saber ver a través de ella.
- ¿El problema sería entonces llegar a un concepto universalmente aceptado de belleza?
David López: Ese es el punto, en efecto. En un libro reciente,
Umberto Eco escribe: “Dios ha muerto, la belleza ha dejado de existir,
la historia ha terminado”. Al desaparecer Dios, desaparece un concepto
universal de la belleza, que es uno de sus atributos. Con el relativismo
y el subjetivismo, ya no hay cabida para lo universal.
En mi exposición puse una cita del cineasta ruso Tarkowsky, uno de
los grandes de esta época, que dice: “Una imagen es una impresión de la
verdad, a la que dirigir la mirada de nuestros ciegos ojos”. Hubo alguno
que al leerla se molestó: la verdad, qué es la verdad, qué se cree
este...
Hay otra cuestión, yo en mi obra intento poner en relación lo
universal con lo particular, porque en lo particular, en lo cotidiano,
están los universales más importantes, como el amor.
- ¿Puede que un artista no crea que existe la belleza porque
no tiene experiencia personal de ella? Es decir, ¿es posible que un
siglo XX tan violento y duro como hemos vivido haya influido en el arte?
David López: Cuidado, esto no es del todo así. El artista tiene una
intuición de la belleza, aunque no haya oído nunca hablar de Dios o no
crea en él. Pero indudablemente el arte contemporáneo es fruto del siglo
XX, y expresa la antropología que éste ha producido.
Es el caso de Duchamp y del mundo de entreguerras y posguerra en el
que vivió. Después de él, vienen dos artistas, que junto con Duchamp
forman la “trinidad” del arte contemporáneo: Joseph Beuys y Andy Warhol.
Ambos expresan esta antropología: para Andy Warhol, el arte es dinero,
sin tapujos; para Beuys, el arte es melancolía, soledad del artista
consigo mismo.
Respecto a su pregunta, tengo un amigo pintor, Juan Olivares, que
para mí es uno de los mejores, por lo menos de España. Es un pintor que
tiene experiencia de belleza, porque sus cuadros son de una verdadera
belleza. Es arte abstracto, pero utiliza una combinación de materiales
que expresa una intuición de algo que hay en la naturaleza. Si hablas
con él, puede que no sepa expresarlo con palabras, pero lo ha entendido,
porque si no no podría pintar así.
- Entonces, un artista necesita tener una “revelación”
personal sobre lo que es bello, aunque no sepa conectarlo con una
belleza universal, pero que es su “manera particular” de buscarla...
David López: Eso es, en efecto. De hecho, una de las series de mi
última exposición en Valencia se llama “arte es revelación”. De hecho,
reconocer que el arte es una revelación supone un acto de humildad: no
es una “genialidad” de uno, sino que es algo que se nos ha revelado, que
se nos ha confiado.
Otro caballo de batalla es la dicotomía entre originalidad y
tradición. Hoy hay una idolatría de la originalidad, de una originalidad
mal entendida. La originalidad viene de nuestro mismo ser persona,
única e irrepetible. La originalidad aparece cuando uno se sincera, se
muestra a sí mismo.
- Esta pérdida del sentido universal de belleza, ¿puede haber afectado también al arte sacro?
David López: La fe es verdaderamente acogida cuando se transforma en
cultura, han dicho los dos últimos Papas. Esto es profundísimo: si tu
evangelizas a una persona, ¿cómo sabes si esa evangelización ha “tomado
cuerpo” en ella? Sólo es visible si se ha transformado en cultura, en
forma de vivir. Según se cree, así se vive.
En algunos lugares de la Iglesia hay hoy un eclecticismo en el arte,
una huida de la tradición. Cabría preguntarse si esto no refleja una
crisis de fe mucho más profunda.
Hay que señalar otro aspecto: el Occidente cristiano ahora está
viviendo un proceso de acercamiento al Oriente, y esto va a ir a más, a
mucho más. El día que estemos más próximos, empezaremos a “beber” muchas
cosas de Oriente que nos van a ayudar muchísimo. Por ejemplo, la
importancia que ellos dan a la belleza.
- Una curiosidad respecto a su obra, que llama mucho la
atención, ¿por qué utiliza tanto el blanco? Blancos puros, crema,
blancos rotos, opacos o transparentes, de diferentes texturas... y los
negros no son sólidos, no son consistentes ni definidos.
David López: Es importantísimo
- ¿Por qué?
David López: No lo sé, es una intuición mía, pero es muy importante.
Nunca lo he articulado de forma lógica... es una pregunta difícil de
contestar.
Voy a hacer una confesión: a mi, la película que más miedo me ha
dado, la vi a los 7 años, es la Guerra de las Galaxias. Cuando empieza
la película, el ataque a la nave, la puerta explota y entran los
malos... ¡vestidos de blanco! El blanco no podía ser para mí el color
del mal... Aquello me aterrorizó, aún recuerdo el miedo que pasé.
En realidad, el blanco es un color que se utiliza mucho en el arte
conceptual, porque es un color neutro, que permite centrar la atención
en lo que se quiere expresar. En mi caso, en el caso de mi obra... De
alguna manera, el blanco está ligado a las cosas verdaderas.
- Al concluir la exposición de Valencia, se hizo una especie de “Atrio de los Gentiles” artístico. Explíquelo un poco.
David López: La preocupación del Papa por crear un “Atrio de los
Gentiles” es una intuición que algunos artistas habíamos compartido. En
realidad, es algo que hacía ya san Felipe Neri: a la gente que no iba a
entrar en la Iglesia a escuchar una predicación, por dificultad,
prejuicios o lo que sea, ¿cómo entrar en diálogo con ellos?
Neri se dio cuenta de que la cultura era un vehículo importante para
el diálogo, porque hay verdades comunes que nos son comunes a muchos –
la verdad, la bondad, la belleza – y hay que buscar lo que nos une y no
lo que nos desune. Entonces, organizaba tardes de conciertos, que eran
seguidos de tertulias. En ellas participaba uno de los grandes músicos
de la época, Palestrina.
En la JMJ, entre los artistas que participamos en la exposición de
arte contemporáneo hay católicos, protestantes y ortodoxos, pero
indudablemente va a ser un punto de encuentro con la modernidad.
Mi aportación, una obra de la serie Nowa Huta, es un gran
Cristo. El lenguaje es contemporáneo. Una persona no creyente que entre a
verla reconocerá el lenguaje, aunque pueda no conocer el contenido.
Pero también hay personas entre los cristianos que nunca irían a una
exposición de arte contemporáneo, porque no entienden este lenguaje,
pero que sí reconoce el contenido.
El lenguaje del arte contemporáneo es muy interesante y tiene muchas
posibilidades. Mi obra quiere, en este sentido, ser un puente.
¿Por qué Nowa Huta? Es famoso el proyecto comunista en
Polonia de hacer una ciudad sin Dios, la ciudad moderna del futuro. A
los pocos meses de vivir allí, los habitantes empiezan a levantar una
cruz en el sitio donde se reúnen a rezar. Por la noche rezaban, por el
día las autoridades les derribaban la cruz. Así estuvieron años,
poniendo la cruz que al día siguiendo les derribaban.
David López: [Muy sorprendido] ¡No lo sabía! Hace dos años estuve allí, en Nowa Huta. Quería ir a verlo. Es muy impresionante.
Volviendo a nuestro pequeño “Atrio” artístico de Valencia, vino una
poetisa cubana exiliada en España a ver la exposición, y propuso
escribir unos textos – bellísimos, por cierto – sobre el arte como
relación. Un amigo mío músico compuso una obra con el mismo tema. Se
celebró el día de la clausura, el 15 de julio. Una experiencia muy
positiva, muy hermosa.
Por Inma Álvarez
Fuente: www.zenit.org
De Benedicto XVI muchos han destacado su habilidad por hacerse las
grandes preguntas. Durante la Vigilia de la JMJ, varios jóvenes de
diferentes países también preguntarán al Papa sobre la juventud y cómo
vivir la vida cristiana.
¿Creer como creen los niños?
¿Qué quiere Jesús?
O
bien pensemos en lo que significa la Iglesia para África. Ella es a
menudo lo único que permanece entre los trastornos y destrucciones de
las guerras.
Ser cristiano hoy, ¿misión imposible?
La Eucaristía ¿germen de revoluciones?
¿El Papa se entera de lo que ocurre fuera del Vaticano?
¿Por qué visita España tantas veces?